Durante el curso, las figuras retóricas han tenido una importante cabida en las sesiones teóricas de Técnicas de Redacción en Publicidad y Relaciones Públicas. Hemos conocido su riqueza, versatilidad y enorme variedad. Hemos aprendido que, si se usan bien, pueden ser muy eficaces y dotar al texto publicitario de valor añadido.
En clase hemos observado y analizado tanto slogans como copies, desmenuzándolos y descomponiéndolos en partes muy pequeñas hasta llegar a su mínima (o máxima) expresión. En una sola línea hemos sido capaces de encontrar varios recursos estilísticos. A veces, incluso camuflados.
Como también hemos comprobado en las sesiones de la asignatura, en nuestra profesión la imagen es igual o más importante que el texto, pues el componente visual crea, irremediablemente, un impacto más directo e inmediato. La clave reside en saber encontrar el equilibrio perfecto entre texto e imagen. No es casualidad que el histórico binomio creativo en publicidad se caracterice por ambas figuras: el art director, encargado de la imagen, y el copy writer, a mandodel texto (aunque sabemos que en el puesto de trabajo se crea una simbiosis en qué, en ocasiones, es complicado hacer distinciones claras). A veces la relación resultante provocará un efecto interesante, aportando nuevos sentidos a la creatividad publicitaria. El texto puede acompañar a la imagen y complementarla, como también contradecirla para crear sorpresa o también ejercer una función de anclaje para decodificarla correctamente y conseguir el resultado deseado. A veces, las imágenes hablan por sí solas y el texto queda relegado a la función identificadora del emisor. Aunque casi siempre sirva de necesario cierre: la personalidad de la marca expresada en palabras.
Pues bien, hoy me gustaría presentaros algunos ejemplos de figuras retóricas visuales, es decir, recursos literarios que han sido aplicados a la imagen publicitaria. Son resoluciones creativas, originales y frescas. Piezas con significado propio que dotan a la marca de mucha fuerza.
De hecho, el esfuerzo creativo latente en estas imágenes es recuperado y amortizado con creces, puesto que la publicidad es tan eficaz que se narra por sí sola. Actualmente, uno de los retos de la Publicidad es lidiar con la decreciente capacidad de sorpresa del público, acostumbrado a todo tipo de estímulos a lo largo del día, el cuál vive en una sociedad caracterizada por la "infoxicación". En estos tiempos, lo mejor es optar por incentivar al receptor con piezas únicas e ingeniosas, que le distraigan y hagan que dedique una porción de su valiosa atención. Es por ello que últimamente una de las técnicas llevadas a cabo es la economía redaccional, una de las características de la publicidad moderna.
Sinécdoque: la parte por el todo.
Prosopopeya o Personificación: dotar de características humanas o racionales a seres inanimados.
Metáfora: el sentido figurado o imaginario sustituye al recto o real.
Seguramente una imagen no vale más que mil palabras. Sencillamente, a veces todo depende de cuál sea la imagen y cuáles sean palabras. Elegid bien y venceréis.
Joan Dausà es de Sant Feliu de Llobregat. Es cantautor, aunque su carrera profesional demuestra que es un personaje polifacético y con habilidades artísticas dispares: ha trabajado como speaker en distintos eventos, es presentador, animador infantil e incluso actor. Sin embargo, tal vez sea su cualidad "menos visible" la que le ha llevado a tener mayor cabida en la opinión pública: su voz. Joan le vida a Xavi Masdéu, el protagonista de la serie catalana de animación Arròs Covat. Aun así, su verdadero don pasa por dotar de una magia especial todas las letras que compone él mismo y que canta en petit comité.
Gracias a su larga trayectoria en el mundillo de la cultura y la comunicación, tiene muchos colegas y amigos vinculados al sector musical. Un día, decide hacer algo grande. Grande y tal vez un poco arriesgado. Decide reunir a unos cuantos músicos de sus allegados (Axel Pi de Sidonie, Martí Maymó de Manel, Carol Duran de La Carrau, Toni Llacuna y David Romero de Hans Laguna y la Sintaxis y Eloi Isern de La Banda del Coche Rojo) y les propone un nuevo proyecto gracias al cuál se convertirán en sus "Tipos de Interés". Como resultado de la colaboración mano a mano y del proceso de experimentación con las letras de Joan, nace Joan Dausà i els Tipus d'Interès, un grupo a caballo entre la canción de autor, el folk y el pop. En sus inicios, los artistas ganan el Premio 2010 de Votación Popular del Concurso de Maquetas Sona9. La acogida del público es inmediata. En poco tiempo, su primer disco Jo Mai Mai, lanzado al mercado en febrero de 2012 con un single homónimo, es todo un éxito. Joan inicia la gira nacional en Barcelona, ciudad a la que sucederán múltiples localidades catalanas, y presenta su primer videoclip en el que participan muchos personajes catalanes reconocidos desarrollando el juego en el que se inspira la canción.
A día de hoy, Joan Dausà sigue siendo cantautor y de Sant Feliu de Llobregat. Pero ahora es famoso. Ahora inspira a miles de personas con sus letras, que llegan tanto al corazón que ponen la piel de gallina. Llegan tanto que son poesía y despiertan la mente. Sus composiciones, de carácter acústico e intimista, destacan por la narración de relatos. Escribe sobre situaciones cotidianas, con un punto amargo y una moraleja, aunque ésta a veces sea explícita y a veces no tanto. Un placer para los sentidos. Una pausa para tomar aire y coger impulso. Canciones tristes que, paradójicamente, traen consigo una pequeña dosis de felicidad. Y por último, para rematar, una discografía llena de finales abiertos; Joan parece ser un amante de la incertidumbre, que le inspira y, a su vez, le ayuda a conectar con sus fans.
Todas ello se ve reflejado en la letra del single Jo Mai Mai, antes mencionado. Estas estrofas nos cuentan la historia de un chico que reúne a su grupo de amigos para invitarles a cenar en casa. Entre ellos se encuentra Judit, que parece atraer especialmente su atención. Todos ellos son adultos que empiezan a afrontar serias responsabilidades, pero que encuentran un momento para evadirse de la realidad, pasarlo bien y revivir algunos episodios de su juventud. Para hacerlo, proponen jugar al juego Yo nunca (Jo mai mai, en catalán), típico de la adolescencia.
La dinámica consiste en que cualquier participante realice una afirmación -siempre precedida por "yo nunca"-, que puede ser verdad o no. Si lo es, tanto esa persona como los demás integrantes del grupo deben beber de su consumición. El atractivo del juego reside en confesar o descubrir ciertos secretos, aunque a veces se trate de verdades a voces.
En la historia que nos ocupa, Héctor, uno de los amigos del protagonista, decide lanzar un dardo al aire: "Yo nunca he deseado besar a Judit; yo nunca he deseado que dejara a su marido". Aunque todos ríen, nuestro chico decide afrontar la realidad y beber un trago delante de todos, admitiendo así que está enamorado de Judit, presente en la escena.
¿Queréis descubrir qué ocurre al final? Leed atentamente la letra de la canción. Aun así, debo advertiros: tal vez tengáis que leer entre líneas; tal vez el final sea abierto y de libre interpretación. Dejad que vuestra imaginación haga el resto.
Avui l'Albert arriba a l'hora, em dóna el cava i el poso en fred.
I arriben l'Hèctor i la Clara porten la nena adormida en el cotxet.
I obro la porta a la Judit avui véns sola, "m'encanta el teu vestit".
I va arribant tota la colla, quan són a taula trec el sopar.
"Un menjar exquisit", "vull provar aquest vi", "qui vol cafè?, hi ha gintònics, també". i juguem al joc d'aquelles nits d'estiu, "no parleu tant fort que la nena dorm".
I l'Hèctor diu: "jo mai mai he desitjat fer un petó a la Judit" i afegeix: "jo mai mai he desitjat que deixés el seu marit", tothom em mira i ningú beu.
I aquell dard emmetzinat se m'ha clavat al cor i ho reconec i faig un glop.
I veig que tots riuen de cop, però la Judit aixeca el got em mira i em diu: "jo mai mai no he pensat que seria més feliç al teu costat", "jo mai mai no he pensat que seria més feliç al teu costat".
I jo em congelo i ella beu.
Si os ha gustado (seguro que sí), aquí os dejo el videoclip que corresponde a la canción, así como el enlace a la página web de Joan Dausà i els Tipus d'Interès para que podáis conocerles en profundidad y disfrutarlos tanto como yo.
Videoclip de Jo Mai Mai con Joan Dausà i els Tipus d'Interès
La saga REC es una serie española de tres películas de terror que basa su argumento en la transmisión, por fluidos corporales, de un virus de extraña procedencia. Éste causa síntomas de alteración de la fuerza y aumento de la ira, aptamente asociables a las características de los muertos vivientes, los zombis, que afectados por este trastorno tienen incontrolados deseos de devorar a los humanos.
La trilogía comenzó en 2007 con el estreno de una película que rompería todos los esquemas, dirigida por Jaume Balagueró y realizada en las ramblas de Barcelona bajo secreto. Estaba rodada como falso documental, presentado como una grabación de la vida real. Hacía uso de los códigos y convenciones propios del reportaje periodístico, situando como protagonista a una reportera de televisión que acompaña a una dotación de bomberos en un turno nocturno. Esta técnica produciría nuevas y alternativas emociones para todos los amantes del cine de terror, las historias sobre criaturas sobrenaturales o, simplemente, las carnicerías. El film se acabó situando entre los cien más taquilleros del año fuera de Estados Unidos. Obtuvo muy buenas críticas, entre las cuales destacaban, a mi parecer, algunos acertados comentarios: “Lo que más me atrae de REC es su original planteamiento, la sensación de veracidad que desprende esa falsa telerrealidad, la mordaz descripción de los vecinos”; “Es rápida, estimulante y tensa. El espectador llega al final exhausto”. Y es que la verdad es que REC constituyó todo un acontecimiento, un show que, vivido a través de la pantalla de cine, no se asemejaba a nada visto antes.
En 2009 llegó la segunda parte, secuela de la anterior. Ésta se limitó a responder algunos enigmas que en la primera película habían quedado sin resolver. Según mi opinión, REC 2 pasó sin pena ni gloria por la cartelera y decepcionó a muchos fans que esperaban más sorpresas y superación de las expectativas que se les generaron. Confirmando mi sensación, Carlos Boyero escribía en el El País: “Tiene mucha técnica pero escasa imaginación”. Además, muchos espectadores focalizaron sus críticas en errores argumentales y giros poco apropiados, que confundían al público y convertían la película en un producto poco creíble.
Finalmente, este año ha llegado a los cines la tercera entrega, estrenada en España el pasado 30 de marzo. Posiblemente debido a la relativa mala acogida de la segunda parte, o también a causa del cambio en la dirección, si no fuera por el título y algunos detalles bastante bien coordinados, tal vez nunca asociaríamos esta película a sus dos hermanas mayores. Esta vez, Paco Plaza tomó las riendas dejando atrás su colaboración con Balagueró, famoso por su especialización en el terror psicológico. Plaza le da un giro totalmente inesperado a la trilogía, mudando el estilo y, si nos descuidamos, hasta el género del film. REC 3 destapa el génesis mediante la historia de una boda, sucedida paralela a las narradas en las dos primeras películas. Para ello, emplea una localización a las afueras de la ciudad de Barcelona como foco de la infección, el hilo conductor de toda la saga. Esta película podría describirse como comedia de terror, potenciando, sin duda, la parte humorística y convirtiendo el miedo en algo secundario subordinado a la sangre y las tripas. Aun así, sería fácil que me quedara corta en cuanto a recursos analíticos y es que los expertos han sido capaces de comparar la película con clásicos del cine e incluso considerarla un homenaje a distintos autores destacados en la historia cinematográfica española. Por otra parte, haciendo referencia a innovaciones técnicas, podría destacarse la presentación de la película, anterior a los créditos iniciales, a modo de pantalla “menú” de reproductor de DVD y el abandono del anterior recurso de la cámara en mano. Sin embargo, la introducción está seguida de algunos vídeos cortos grabados por distintos personajes a través de teléfonos móviles y cámaras digitales, además de incorporar detalles como la emisión simultánea de programas de televisión emulados que cubren los acontecimientos paralelos mostrados en REC 1 y 2. Todo ello ha sido cocinado a fuego muy alto y bañado con una buena banda sonora que también comporta una innovación para la serie.
Como muchos seguidores y fans de la trilogía han comentado a través de su fervorosa participación en las redes sociales, aunque Génesis se aleja de los elementos que colocaron la idea original en lo más alto, esta entrega conserva algo muy importante en la esencia de esta familia de películas: el realismo y la cercanía con el espectador.
Quién sabe si nos espera una cuarta entrega. Si es así, todavía quedan muchos géneros que invadir y combinar con el terror. Y es que los zombis son capaces de arrasarlo todo.
Hoy
quiero hablaros de una cita inscrita en un, voy a llamarlo así, ‘curioso’ film
de Richard Linklater. Antes del atardecer (Before Sunset, 2004) es la segunda
parte de Antes del amanecer (Before Sunrise, 1995). Sí, ¡lo habíais adivinado!
aunque permitidme deciros que no era muy complicado hacerlo.
Trailer deAntes del amanecer
Trailer deAntes del atardecer
En
la primera película, Jesse (Ethan Hawke) y Celine (Julie Delpy) se conocen en
un tren con destino París. Ante la sorpresa de haber conectado aun siendo
absolutos desconocidos, los dos jóvenes deciden parar en Viena y explorar
juntos la ciudad durante una sola noche, a sabiendas que nunca más volverán a
verse.
En
esta entrega ya puede apreciarse la esencia fundamental, trasladada más tarde a
la segunda parte. Por un lado, los dos protagonistas son los únicos personajes
principales: podría decir que los papeles secundarios son necesarios,
simplemente, para dejar constancia que el film no está ambientado en una hecatombe
nuclear sin más supervivientes. Por otro lado, el diálogo se apodera de toda la
película. El diálogo, sí, pero también el silencio como el diálogo que no se
habla.
Después
de nueve años (que transcurren, si nos fijamos, tanto para el tiempo del relato
como para el relatado), no sabemos si gracias al destino o a las casualidades
que no existen, Jesse y Celine se vuelven a encontrar. Esta vez ocurre en París
y, como es de esperar, sus vidas han cambiado mucho, sobre todo para él, casado
y con un hijo. Aunque aparentemente podrían pensar que ya no les queda nada en
común, deciden pasar un día juntos en la capital francesa. Esta vez, para
explorarse el uno al otro.
La
película me atrapó desde el minuto cero, y he de reconocer que no se
caracteriza, precisamente, por la acción o la sorpresa. Toda la historia se
sustenta en la conversación que mantienen los dos protagonistas, que en esta
entrega siguen siendo los únicos personajes importantes de la trama. Para poder
basar todo un film de 80 minutos (aunque en realidad sea una pieza bastante
corta), los diálogos tienen que ser potentes. No por ello estoy diciendo que se
trate de una conversación con misterio ni siquiera con suspense. Simplemente se
trata de un intercambio fluido y ágil. Y cada vez más ágil a medida que avanza
la película. Un requisito indispensable para no hacerme cambiar de canal.
Creo
que la clave reside en la creación de dos personajes muy ‘redondos’ en el
sentido psicológico de la expresión. Sus personalidades están perfiladas a
partir de muchos matices y detalles que podemos ver evolucionar a lo largo de
la historia. Al principio del film, se nos presentan dos jóvenes de
sentimientos contenidos y vergüenza provocada por el paso de los años. Lo más
interesante es ver cómo, poco a poco, su comportamiento (tanto su actitud como
su lenguaje no corporal y sus expresiones) va cambiando y dilatándose.
Metafóricamente, lo definiría como la visión, a cámara lenta, de dos trenes que
circulan en direcciones opuestas y que están destinados a acabar colisionando. Paulatinamente,
ambos personajes se despojan de miedos, manías, prejuicios y recelo para
confesar sus deseos y emociones más ocultos, que han formado parte de su vida
durante nueve años.
La
película es la descripción visual (aunque ésta siempre vaya acompañada de
palabras) de cómo dos almas, en sus correspondientes cuerpos, empiezan
conectando, se entrelazan y acaban chocando para dar lugar a algo nuevo y,
aunque pueda sonar empalagoso, mágico.
Definiría
esta película como una oda al inconformismo. Un inconformismo nacido de un
conformismo anterior que no ha resultado satisfactorio. La representación del
nado a contracorriente: la lucha con uno mismo, con lo que se es y con lo que
se quiere significar para los demás.
Creo
que sería muy superficial hablar de una película romántica o de romance en el
sentido más básico de la palabra. Esta película transmite ganas, actitud,
aprecio por los detalles. La búsqueda insaciable de algo en otra persona que
hace que alguna parte de nosotros reaccione. Esa chispa que hace “clic” en
nuestro cerebro y nos incita a movernos. A crear. A confiar. A dejarnos llevar.
En líneas generales: a vivir.
He
empezado esta entrada refiriéndome aAntes
del atardecercomo una
película curiosa, y no se trata de ningún calificativo peyorativo. A simple
vista pueda ser tachada de típica historia de amor: dos personas que se conocen
y, tras pasar una serie de dificultades, se enamoran y terminan juntas. Y
felices. Pero en este caso, existen varios elementos que juegan en su defensa,
entre ellos el final abierto (presente en ambas partes), un diálogo que no
produce diabetes y dos personalidades bastante frescas y poco convencionales.
Y,
aunque por poco lo olvide, esta sección está dedicada a las citas. Pues bien,
aquí os dejo con un fragmento de diálogo (convertido en monólogo de Celine por
unos instantes) tan sencillo como ingenioso; tan real, como poético y
metafísico. Tan banal como trascendental a la vez. Depende de cómo se mire. De
cómo veáis la vida.
Moraleja:
De vez en cuando, déjate llevar. Deja que tu tren colisione con alguien.
"Yo suelo sentirme como un bicho raro. No soy
capaz de pasar a otra cosa así, sin más. La mayoría de personas, cuando tienen
una aventura o una relación larga y rompen, la olvidan. Pasan a otra cosa y
olvidan, como si nada hubiera pasado. Yo jamás he olvidado a nadie con quien he
compartido algo, porque cada persona tiene sus cualidades propias. No se puede
reemplazar a nadie; lo que se pierde, se pierde. Cada vez que acabo una
relación me afecta muchísimo, jamás me recupero del todo. Por eso pongo mucho
cuidado en las relaciones, porque me duelen demasiado. ¡Aunque sea un rollo de
una noche! No suelo tenerlos porque echaría de menos las cualidades propias de
esa persona. Me importan los pequeños detalles. Será una tontería, pero...
Según mi madre, de pequeña siempre llegaba tarde a la escuela. Un día me siguió
para averiguar por qué. Me entretenía mirando caer las castañas de los árboles-cómo
rodaban por la acera- o en las hormigas que cruzaban la calle; el modo en que
una hoja proyectaba su sombra sobre un tronco. Los detalles. Lo mismo me ocurre
con las personas: necesito los pequeños detalles, son el reflejo de cada
uno de nosotros. Es lo que echo de menos constantemente. Por eso no se puede
reemplazar a nadie, porque todos estamos hechos de pequeños y preciosos
detalles. Es como el recuerdo que guardo de tu barba ligeramente rojiza y de
cómo parecía arder bajo el sol aquella mañana antes de irte. Lo recordaba y lo
echaba de menos."
Fragmento que corresponde al monólogo
citado
Según
mi opinión, estos momentos que destacan entre toda la sucesión de escenas en
una película son los que dejan huella y pueden llegar a inspirarnos en nuestra
vida diaria. Teniendo en cuenta las técnicas de redacción en Publicidad y
Relaciones Públicas, no está de más destacar la posibilidad que el redactor se
base en fragmentos de películas como ésta para idear nuevas creaciones
textuales.
La asignatura de la que partimos versa sobre
cómo llegar a redactar eficazmente a través de distintos conocimientos y
técnicas que, en la mayoría de casos, son transversales a distintas
disciplinas. Es por ello que la figura del redactor es apta para desempeñar
funciones en muchos ámbitos de la comunicación.
Aprovechando
que nuestro blog está inscrito en el mundo cinematográfico, hoy quiero hacer un
pequeño homenaje a aquellos grandes redactores, el trabajo de los cuales
siempre resta en segundo plano eclipsado por la obra final que nació a partir
de su tarea. No es muy difícil imaginar que me refiero a los guionistas,
obviados e infravalorados en tantas ocasiones. Sus mentes creativas están
veinticuatro horas al día a pleno funcionamiento, tramando historias que tal
vez nunca lleguen a salir a la luz por culpa de una financiación no concedida o
una desconfianza inmerecida. Ellos son los creadores de las grandes escenas de
la historia del cine, aquellas que pertenecen tanto a películas comerciales
como a pequeñas producciones; momentos que todo el mundo recuerda y que han
sido incorporados al imaginario colectivo; instantes “de película” que a más de
uno le gustaría revivir en su carnes. Y es que hay veces que la realidad no
supera a la ficción.
Por todo ello me gustaría presentaros el
decálogo del buen guionista, ya que lo considero una buena técnica de redacción
que puede complementar la teoría de esta asignatura. Se trata de una pauta con
distintas recomendaciones a tener en cuenta a la hora de escribir un guión, ya
sea de cine o de publicidad. Para hacerlo, me he tomado la libertad de crearos
un popurrí con diversas advertencias que he recolectado a partir de las clases
de Guión y Narrativa Audiovisual (Jordi Cadena) y el artículoDiez cosas que deberías saber sobre
la escritura de guionesde Sam Scribner.
Primero.“Entre imagen y palabra, siempre hay que elegir la imagen”.
Debemos encontrar la forma de describir todo lo que queremos expresar de la
forma más visual posible. El espectador se va a guiar primordialmente por lo
que vea, así que debemos cuidar todos los detalles.
Segundo.No empezar a
escribir sin saber hacia dónde irá el relato. Debemos intentar escribir
siguiendo una línea recta porque aunque existan subtramas además de la trama
principal, éstas la enriquecen pero no son independientes. “Conoce el final de
la historia incluso antes de empezar a escribirla”.
Tercero.Un buen
guionista es curioso, lee constantemente y tiene infinitas inquietudes. Los
buenos artistas son como esponjas que absorben todo lo que se encuentra en su
entorno y le sacan provecho creativo.
Cuarto.Tener
capacidad de síntesis; escribir solamente aquello imprescindible y necesario.
“Sé capaz de describir tu historia en veinticinco palabras o menos…”.
Quinto.Tener
capacidad de análisis y autocrítica. Sin criterio no vamos a ninguna parte.
Sexto.Tomar a los
personajes de la mano y acompañarlos hasta el final sin tener nada más en
cuenta que el camino que han trazado, para así poder llegar al final adecuado. Además,
“el diálogo es como el oro, gástalo sabiamente”.
Séptimo.Sobrescribir,
condensar y pulir. “Tienes diez páginas para impresionar a tu público”.
Octavo.Las cosas
suceden una debida a la otra. “No seas demasiado brillante”, eso puede pasarte
factura. Debe existir una buena coherencia, consistencia y verosimilitud entre
los hechos narrados.
Noveno.Ejercitar la
imaginación. “Estrújate la parte izquierda del cerebro”.
Décimo.¡Conflicto,
conflicto y conflicto! No hay suficiente con un suceso sorprendente, hay que
dramatizar.
Para acabar, me gustaría dejaros con el undécimo, una reflexión
tan típica y simple como cierta que puede servirnos a todos en algún momento de
nuestra carrera: siempre habrá alguien mejor que tú. “Gente con menos estudios
que tú ha tenido más éxito en el negocio del guionaje”. Con ello no quiero
decir que el estudio no sea importante, sencillamente quiero recordaros que
estoy completamente segura que la humildad es la base de toda buena obra. A
partir de aquí, ¡a trabajar!
Hoy quiero presentar en
sociedad mi último trabajo para la asignatura Diseño Gráfico II, impartida por
el profesor Juan Jesús Arrausi, y contaros qué proceso seguí para la ideación
de la parte redaccional. Este ejercicio consta de dos elementos de publicidad
gráfica: un anuncio en A4 para prensa y el diseño a proporción A3 de una valla
exterior de 8x3 metros.
La marca que elegí para
realizarlo fue Lolita Bakery, una cadena de tiendas dedicadas a los dulces,
especialmente a los cupcakes (en inglés, pastel de taza). Se
trata de un producto que surgió en Estados Unidos a mediados del siglo XIX y
que actualmente está muy de moda, hasta tal punto de haberse convertido en una
gran industria. Estos pasteles son toda una atracción que complementa fiestas y
reuniones sociales y sirven muchas veces como regalo personalizado para
cualquier ocasión especial.
Aun habiéndose
masificado, la idea original de cupcake inspira artesanía,
dado que en sus inicios (y actualmente en la faceta amateur) eran un producto
casero y hecho a mano. Teniendo esto en cuenta, empecé a atribuir al producto
una serie de connotaciones para, así, poder establecer un imaginario que me permitiera
desarrollar la campaña gráfica para Lolita Bakery. Los cupcakes,
por sus características más intrínsecas, se asocian a aquello que es pequeño,
normalmente transportado en un paquete, bandeja o caja a través de la cual la
gente que los cocina los regala a sus amigos y familiares. Es por ello que,
consecuentemente, los atributos emocionales que desprenden están muy
relacionados con el afecto, el hecho de compartir, los detalles, la delicadeza,
etc.
Alrededor del concepto
de cupcake como regalo a quién más queremos, decidí que la
estrategia que quería realizar para atraer la atención del público sería no
mostrar el producto explícitamente en las gráficas, sino sencillamente insinuar
su presencia dentro de una típica caja de cartón para el transporte de este
postre.
La técnica de redacción
publicitaria consistiría en idear un copy con gancho para transmitir cierta
sensación de sorpresa (la misma que siente alguien cuando espera un regalo que
está a punto de abrir), creando expectativas. A partir de aquí, supe que lo que
necesitaba, teniendo en cuenta el tipo de público objetivo al que se dirige la
marca (joven y cosmopolita), era redireccionar al receptor hacia la página web
de la empresa. De esta forma, se conseguiría tanto captar nuevos clientes a través
de Internet, como proporcionar más notoriedad a la marca.
Una vez sabía el mensaje
que quería transmitir y con qué estrategia quería llevarlo a cabo, empecé a
pensar slogans que tuvieran relación con esta idea. Algunos de los que
contemplé pero que finalmente acabé descartando fueron:
“Algo tan dulce tiene
que ser compartido”
“El amor en una caja”
“El amor no es siempre
solo cosa de dos”
“Nunca el amor se había
materializado mejor”
“Hasta ahora el amor no
se podía materializar”
“El amor sí cabe en una
caja”
“Si no sabes qué
regalar, regala amor”
“Ahora, todo tu cariño
en una caja”
“Ahora ya puedes ser la
persona más dulce del mundo”
“No dejes que te llamen
soso nunca más”
“Nunca más te llamarán
soso”
“Nunca una caja había
gustado tanto”
“Entra en lolitabakery.com
y aprende a endulzar tu vida”
“Hemos materializado el
amor”.
Finalmente, llegué al
slogan definitivo haciendo una selección y mezcla de algunas posibilidades que
había barajado. Éste sería aplicado a los dos elementos que conforman el ejercicio.
Además, añadí un body copy que sintetizara la idea de la campaña, diseñado
especialmente para incorporar en la publicidad de prensa:
“¿Quién dijo que el amor
no cabe en una caja? Lo hemos materializado de una forma muy especial para que
puedas compartirlo. Entra en lolitabakery.com y descubre cómo”.
A continuación, os dejo
el resultado –todavía provisional– de la propuesta gráfica para las piezas
de la campaña. Espero que a muchos de vosotros os pique la curiosidad y
visitéis la web corporativa de Lolita Bakery (aunque, después de leer esta
entrada, ya no seáis tan susceptibles como esperaría que fuese mi público
modelo).
Juzgad vosotros mismos
si se trata de publicidad efectiva. Si es así…qué pena que no trabaje a
comisión.
Hoy
quiero inaugurar esta sección de análisis de piezas de Publicidad y Relaciones
Públicas con una campaña que, ya sea para bien o para mal, ha dado mucho que
hablar.
Como muchos debéis saber, Saw, nacida en 2003, es una saga de siete películas
de género de terror gore, la última de las cuales se estrenó por primera vez en
3D en octubre de 2010. La trama gira siempre entorno a Jigsaw o Puzzle (Tobin
Bell), un asesino que, a través de sus denominado juegos, hace pasar a las
víctimas por distintas pruebas que constituyen torturas tanto físicas como
psicológicas. Aunque los creadores se defienden de algunas críticas negativas
alegando que “la tortura en las películas es autoinfligida por los personajes”
muchos son los que ven esta saga como un producto “torture porn” (una forma
despectiva de denominar a las películas gore sádicas entre las que destaca
Hostel, de Eli Roth).
Una vez puestos en situación, os presento la “Premiere Invitation” para la
película Saw 3D en Turquía, un elemento de márqueting directo ideado por la
agencia de publicidad Miami Ad School. Se trata de una invitación al estreno
del film personalizada y mandada por correo a los invitados al evento. La pieza
está compuesta por distintos elementos: en primer lugar, un sobre que lleva
escrito el nombre del interesado; en segundo lugar, como contenido del sobre,
una nota con el mensaje “I wanna play a game” (en tipografía que imita la letra
a máquina) y el logotipo de la marca Saw 3D como única pista de que se trata de
publicidad; por último, un envase precintado que contiene una aguja
esterilizada. El objetivo de esta acción tan inusual y sorprendente es sencillo
a la vez que impactante: la persona que recibe el correo debe pincharse con la
aguja en el dedo para obtener su propia sangre y, así, poder descifrar un
código oculto en el papel de la nota. De esta forma, aquellos que deseen
asistir al estreno de la película deben pasar una prueba de la misma manera que
lo hacen los personajes en el film. A través de la aplicación de la sangre en
el papel en este puede leerse la información relativa al lugar y la hora del
evento, así como descubrir el código personalizado que el usuario necesita para
poder identificarse y acudir al estreno.
Estamos
hablando del primer envío de márqueting directo que funciona con sangre y que,
evidentemente, no solo no ha pasado desapercibido sino que ha resultado
tremendamente eficaz. Aunque esta acción pueda ser tachada de macabra, nadie
puede negar que conecta perfectamente con los atributos que quiere transmitir
la marca. Además, lo que resulta más importante e interesante es que comunica y
propone la “experiencia Saw” a los consumidores. Gracias a esta nueva
aplicación en publicidad, los espectadores más fans de la saga pueden ponerse
en el papel de los protagonistas de sus películas favoritas, cosa que aporta
valor añadido tanto a la marca, que refuerza su notoriedad general, como a la
importancia del evento en concreto.
En
los tiempos que corren, sabemos que no cualquier tipo de publicidad es efectivo
y que se debe apostar por aquellas acciones que refuerzan, sobre todo, la
faceta emocional y sensitiva de la marca, proponiendo experiencias al
consumidor. Solo gracias a iniciativas tan innovadoras como ésta se consigue la
diferenciación. Y qué mejor que diferenciarse de la competencia, conseguir eco
en la opinión pública y, además, hacerlo de una forma tan coherente con el
storytelling del producto que se publicita.
Yo
personalmente puntúo con un 10 a los creativos de esta reputada agencia, que
sin duda han sabido destacar en un mercado tan explotado a la vez que han sido
fieles, comunicativamente hablando, a una saga que ha supuesto todo un
taquillazo.
En
este mundo hay que arriesgar, aunque a veces la situación pueda parecer
perversa. Si no apuestas, no ganas. Si no te esfuerzas, nunca sabrás si eres
capaz de superar la prueba.
Que
empiece la acción: ¿estáis preparados? Quiero jugar a un juego…
