Hacia una nueva publicidad

“La publicidad tiende cada vez más a transmitir emociones, a intentar conectar una marca con sus consumidores o usuarios, a lograr que sea querida, admirada, que la gente se identifique con ella”. 

Esta cita se encuentra en el libro “Historia iconográfica de la música en la publicidad” escrito por Fernando Montañés y Mikel Barsa. Según mi punto de vista, es una de las descripciones más acertadas sobre la publicidad actual ya que hace referencia a que los anuncios que solo resaltaban las características objetivas del producto han pasado a la historia. Ha nacido un nuevo tipo de estrategia de comunicación, en la que se apela a las emociones y se intenta que el usuario establezca un vínculo con la marca que le permita identificarse con sus valores. 

Este tipo de publicidad surgió como consecuencia de que los medios de comunicación empezaran a transmitir cada vez más anuncios y el número de canales aumentara. Las empresas ofrecían productos cada vez más similares y al público ya no le impactaba que un personaje le numerase un conjunto de características. El cambio era necesario y la clave era la diferenciación. Las empresas se han transformado en marcas con una serie de valores que muchas veces no están relacionados con las características objetivas del producto (por ejemplo la felicidad que aporta un simple refresco de Coca Cola).  

Esta tendencia de transmitir emociones y conectar con el público es hoy en día más vigente a raíz del cambio que han experimentado los medios de comunicación (un ejemplo es la multiplicación de los canales por la TDT) y la revolución de Internet. En la actualidad, la publicidad tiene que captar más la atención y ser por lo tanto, lo más creativa posible.  

“Es inútil plantearse ni tratar de imaginar cómo sería la publicidad sin la música, pero seguro que mucho más aburrida, sosa e infinitamente menos atractiva y eficaz”.

Esta segunda cita también ha sido encontrada en el libro titulado “Historia iconográfica de la música en la publicidad”. Me resulta una reflexión muy interesante y acertada.

La música se ha convertido en un elemento imprescindible para que un anuncio publicitario consiga su objetivo: crear en el usuario la necesidad de obtener el producto anunciado. Hay veces que presenta un papel más secundario y otras en las que se convierte en la esencia del éxito (un ejemplo es la canción que empezaba “yo soy aquel negrito…” utilizada en un anuncio de Cola Cao). La música en la mayoría de los casos le da a la publicidad esa magia que hace que la recordemos. 

Si relacionamos estas dos citas con el mundo del celuloide, podríamos decir que esta industria también ha evolucionado y se ha tenido que adaptar para captar la atención de los espectadores, que reciben cada día una oferta más amplia de películas en la cartelera. Y, ¿qué sería el cine sin sus bandas sonoras? Soso e infinitamente menos atractivo y eficaz. 

Rose DeWitt Bukater

Nadie es perfecto

Cuando empezamos esta sección y empezamos a pensar en qué citas podíamos incluir, rápidamente me vino a la cabeza una de mis citas favoritas. Así pues, me gusta poder empezar esta sección con la siguiente cita: “Bueno, nadie es perfecto” (traducción del inglés “Well, nobody’s perfect”). Esta cita forma parte del guión de la película hollywoodiense “Con faldas y a lo loco” (traducción al español del título original en inglés “Some like it hot”). Esta película del conocido director de comedias Billy Wilder se estrenó en 1959 y estaba protagonizada por tres de los grandes actores del momento: Tony Curtis, Jack Lemmon y Marilyn Monroe.

“Bueno, nadie es perfecto” es la última frase del guión de la película y sirve para cerrarla. Es una frase dicha por un hombre enamorado, que desea casarse con su amada, al enterarse que ella es, en realidad, un hombre.

Esta cita me gusta mucho porque lanza un mensaje muy optimista, cada cual es como es y debemos aceptar a todo el mundo con sus virtudes y sus defectos. Además, en la película, hace referencia a un tópico: cuando se está enamorado, se está ciego: no importan los defectos del otro e incluso los defectos pueden parecer virtudes.

En mi opinión, es una forma muy graciosa e ingeniosa de acabar la historia porque rompe los esquemas al espectador y lo sorprende. Para mí, la gracia se encuentra en qué cuando el protagonista le confiesa su verdadero sexo a su prometido, espera una reacción completamente distinta a la del personaje, que actúa de forma normal y trivializando el asunto con la frase “Bueno, nadie es perfecto”.

Creo que todos deberíamos aprender a aceptar que todos tenemos virtudes pero también defectos y que uno es como es, que no se puede cambiar la forma de ser de cada uno. Y es que, por mucho que queramos creerlo, nadie es perfecto.

Hermione Granger

American Beauty

Una de las películas que más veces se pone como ejemplo a lo largo de los estudios de Publicidad y Relaciones Públicas es “American Beauty”. Tal vez sea por su excelente calidad audiovisual, su tratamiento de los prototipos sociales, o su guión, o tal vez por el conjunto que todo ello crea. Haciendo especial hincapié en el guión, se pueden observar estilos narrativos muy diferentes, dependiendo del personaje al que se le atribuye cada frase. A continuación os presentamos una selección de citas de la película, que hacen honor a esta riqueza narrativa anteriormente mencionada. 

En primer lugar resulta prácticamente obligatorio citar el inicio de la película, al que se ha calificado de “uno de los más geniales inicios del cine reciente” en el que el protagonista, Lester Burnham (Kevin Spacey), se presenta como un personaje totalmente mediocre, desencantado de su vida y de sí mismo: 

Me llamo Lester Burnham. Este es mi barrio. Esta es mi calle. Esta es mi vida. Tengo 42 años. En menos de un año habré muerto. Claro que eso no lo sé aún. Y en cierto modo, ya estoy muerto. Aquí me tienen, cascándomela en la ducha. Para mí el mejor momento del día. A partir de aquí, todo va a peor. 

Esta asumida mediocridad contrasta totalmente con la figura de su mujer, Caroline (Annette Bening), quien se presenta como la constante aspiracionalidad americana, el “buen ver”, la relación con los vecinos, etc: 

Carolyn: Buenos días, Jim.

Jim (vecino): Buenos días, Carolyn.

Carolyn: ¡Qué corbata tan linda! ¡Qué color!

Jim: Mucho más lindas son tus rosas. ¿Cómo consigues que florezcan de ese modo?

Carolyn: Verás, el secreto es cáscaras de huevo y agua. 

Carolyn: Jane, cielo, ¿tratas de parecer un adefesio?

Jane: Sí.

Carolyn: Enhorabuena. Lo has conseguido. Lester, ¿puedes hacer que llegue un poco más tarde, por favor? Aún no me he retrasado bastante. 

Y a modo de punto de inflexión entre ambos personajes , encontramos a Jane, la hija de los Burnham, quien a pesar de creerse tan mediocre como el padre, representa también la aspiracionalidad (como la madre), pero esta vez de un modo más profundo o psicológico. 

Jane: Yo necesito un padre ejemplar. No un niñato capullo que manche los calzoncillos cada vez que traigo una amiga del colegio. Qué gilipollas. Deberían sacrificarle, y que deje ya de sufrir.

Ricky: ¿Quieres que lo mate?

Jane: Sí. ¿Lo harías? 

Esta búsqueda del sentido de la vida la lleva a cabo de la mano de Rick, su vecino, quien a través de su cámara de video le enseñará a apreciar la belleza en las pequeñas cosas: 

“Era uno de esos días en que está a punto de nevar... y el aire esta cargado de electricidad. Casi puedes oírla. ¿verdad? Y esa bolsa está bailando... conmigo... como un niño pidiéndome jugar, durante quince minutos. Es el día en que descubrí que existe vida bajo las cosas y una fuerza increíblemente benévola que me hacía comprender que no hay razón para tener miedo, jamás. El vídeo es una triste excusa, lo sé, pero me ayuda a recordarlo; necesito recordar, a veces que hay tantísima belleza en el mundo que siento que no lo aguanto, y que mi corazón va a colapsar/explotar" 

Jane: ¿Eso es un funeral?

Ricky: Si, ¿has visto morir a alguien?

Jane: No, ¿y tú?

Ricky: No, pero vi a una vagabunda que murió congelada, tumbada en la acera. Parecía muy triste. Tengo a esa vagabunda grabada en vídeo.

Jane: ¿Por qué grabaste eso?

Ricky: Porque era asombroso.

Jane: ¿Qué tenía de asombroso?

Ricky: Cuando ves algo así, es cómo si Dios te mirase a los ojos un instante. Y si está atento puedes devolverle la mirada.

Jane: ¿Y qué ves?

Ricky: Belleza. 

Y tampoco podemos dejar de mencionar el final de la película, en el que la mediocridad de Lester se disuelve en el concepto de belleza tratado a lo largo de toda la película, encontrando de esta manera, el sentido de su vida en la belleza de la muerte: 

Siempre había oído que toda tu vida pasa ante tus ojos el segundo antes de morir. Para empezar, el segundo no es un segundo en absoluto, se hace inmenso como un océano de tiempo. En mi caso aparecía yo tumbado boca arriba en el campamento de los boys scouts mirando estrellas fugaces… las hojas amarillas de los sauces que flanqueaban nuestra calle… las manos de mi abuela… y su marchita piel que parecía de papel. Y la primera ve que contemplé el nuevo coche de mi primo Tony… y Jenie… y Jenie… Y Carolyn… Supongo que podría estar bastante cabreado con lo que pasó, pero cuesta seguir enfadado cuando hay tanta belleza en el mundo. A veces siento como si la contemplase toda a la vez y me abruma, mi corazón se hincha como un globo que está a punto de estallar. Pero recuerdo que debo relajarme y no aferrarme demasiado a ella y entonces fluye a través de mí como la lluvia. Y no siento otra cosa que gratitud por cada instante de mi estúpida e insignificante vida. No tienen ni idea de lo que hablo, pero no se preocupen, algún día la tendrán.

Clementine Kruczynski

Antes del atardecer

Y de cómo el diálogo nace de los detalles.

Hoy quiero hablaros de una cita inscrita en un, voy a llamarlo así, ‘curioso’ film de Richard Linklater. Antes del atardecer (Before Sunset, 2004) es la segunda parte de Antes del amanecer (Before Sunrise, 1995). Sí, ¡lo habíais adivinado! aunque permitidme deciros que no era muy complicado hacerlo.

Trailer de Antes del amanecer

Trailer de Antes del atardecer

En la primera película, Jesse (Ethan Hawke) y Celine (Julie Delpy) se conocen en un tren con destino París. Ante la sorpresa de haber conectado aun siendo absolutos desconocidos, los dos jóvenes deciden parar en Viena y explorar juntos la ciudad durante una sola noche, a sabiendas que nunca más volverán a verse.

En esta entrega ya puede apreciarse la esencia fundamental, trasladada más tarde a la segunda parte. Por un lado, los dos protagonistas son los únicos personajes principales: podría decir que los papeles secundarios son necesarios, simplemente, para dejar constancia que el film no está ambientado en una hecatombe nuclear sin más supervivientes. Por otro lado, el diálogo se apodera de toda la película. El diálogo, sí, pero también el silencio como el diálogo que no se habla.

Después de nueve años (que transcurren, si nos fijamos, tanto para el tiempo del relato como para el relatado), no sabemos si gracias al destino o a las casualidades que no existen, Jesse y Celine se vuelven a encontrar. Esta vez ocurre en París y, como es de esperar, sus vidas han cambiado mucho, sobre todo para él, casado y con un hijo. Aunque aparentemente podrían pensar que ya no les queda nada en común, deciden pasar un día juntos en la capital francesa. Esta vez, para explorarse el uno al otro.

La película me atrapó desde el minuto cero, y he de reconocer que no se caracteriza, precisamente, por la acción o la sorpresa. Toda la historia se sustenta en la conversación que mantienen los dos protagonistas, que en esta entrega siguen siendo los únicos personajes importantes de la trama. Para poder basar todo un film de 80 minutos (aunque en realidad sea una pieza bastante corta), los diálogos tienen que ser potentes. No por ello estoy diciendo que se trate de una conversación con misterio ni siquiera con suspense. Simplemente se trata de un intercambio fluido y ágil. Y cada vez más ágil a medida que avanza la película. Un requisito indispensable para no hacerme cambiar de canal.

Creo que la clave reside en la creación de dos personajes muy ‘redondos’ en el sentido psicológico de la expresión. Sus personalidades están perfiladas a partir de muchos matices y detalles que podemos ver evolucionar a lo largo de la historia. Al principio del film, se nos presentan dos jóvenes de sentimientos contenidos y vergüenza provocada por el paso de los años. Lo más interesante es ver cómo, poco a poco, su comportamiento (tanto su actitud como su lenguaje no corporal y sus expresiones) va cambiando y dilatándose. Metafóricamente, lo definiría como la visión, a cámara lenta, de dos trenes que circulan en direcciones opuestas y que están destinados a acabar colisionando. Paulatinamente, ambos personajes se despojan de miedos, manías, prejuicios y recelo para confesar sus deseos y emociones más ocultos, que han formado parte de su vida durante nueve años.

La película es la descripción visual (aunque ésta siempre vaya acompañada de palabras) de cómo dos almas, en sus correspondientes cuerpos, empiezan conectando, se entrelazan y acaban chocando para dar lugar a algo nuevo y, aunque pueda sonar empalagoso, mágico.

Definiría esta película como una oda al inconformismo. Un inconformismo nacido de un conformismo anterior que no ha resultado satisfactorio. La representación del nado a contracorriente: la lucha con uno mismo, con lo que se es y con lo que se quiere significar para los demás.

Creo que sería muy superficial hablar de una película romántica o de romance en el sentido más básico de la palabra. Esta película transmite ganas, actitud, aprecio por los detalles. La búsqueda insaciable de algo en otra persona que hace que alguna parte de nosotros reaccione. Esa chispa que hace “clic” en nuestro cerebro y nos incita a movernos. A crear. A confiar. A dejarnos llevar. En líneas generales: a vivir.

He empezado esta entrada refiriéndome a Antes del atardecer como una película curiosa, y no se trata de ningún calificativo peyorativo. A simple vista pueda ser tachada de típica historia de amor: dos personas que se conocen y, tras pasar una serie de dificultades, se enamoran y terminan juntas. Y felices. Pero en este caso, existen varios elementos que juegan en su defensa, entre ellos el final abierto (presente en ambas partes), un diálogo que no produce diabetes y dos personalidades bastante frescas y poco convencionales.

Y, aunque por poco lo olvide, esta sección está dedicada a las citas. Pues bien, aquí os dejo con un fragmento de diálogo (convertido en monólogo de Celine por unos instantes) tan sencillo como ingenioso; tan real, como poético y metafísico. Tan banal como trascendental a la vez. Depende de cómo se mire. De cómo veáis la vida.

Moraleja: De vez en cuando, déjate llevar. Deja que tu tren colisione con alguien.

"Yo suelo sentirme como un bicho raro. No soy capaz de pasar a otra cosa así, sin más. La mayoría de personas, cuando tienen una aventura o una relación larga y rompen, la olvidan. Pasan a otra cosa y olvidan, como si nada hubiera pasado. Yo jamás he olvidado a nadie con quien he compartido algo, porque cada persona tiene sus cualidades propias. No se puede reemplazar a nadie; lo que se pierde, se pierde. Cada vez que acabo una relación me afecta muchísimo, jamás me recupero del todo. Por eso pongo mucho cuidado en las relaciones, porque me duelen demasiado. ¡Aunque sea un rollo de una noche! No suelo tenerlos porque echaría de menos las cualidades propias de esa persona. Me importan los pequeños detalles. Será una tontería, pero... Según mi madre, de pequeña siempre llegaba tarde a la escuela. Un día me siguió para averiguar por qué. Me entretenía mirando caer las castañas de los árboles-cómo rodaban por la acera- o en las hormigas que cruzaban la calle; el modo en que una hoja proyectaba su sombra sobre un tronco. Los detalles. Lo mismo me ocurre con las personas: necesito los pequeños detalles, son el reflejo de cada uno de nosotros. Es lo que echo de menos constantemente. Por eso no se puede reemplazar a nadie, porque todos estamos hechos de pequeños y preciosos detalles. Es como el recuerdo que guardo de tu barba ligeramente rojiza y de cómo parecía arder bajo el sol aquella mañana antes de irte. Lo recordaba y lo echaba de menos."

Fragmento que corresponde al monólogo citado

Según mi opinión, estos momentos que destacan entre toda la sucesión de escenas en una película son los que dejan huella y pueden llegar a inspirarnos en nuestra vida diaria. Teniendo en cuenta las técnicas de redacción en Publicidad y Relaciones Públicas, no está de más destacar la posibilidad que el redactor se base en fragmentos de películas como ésta para idear nuevas creaciones textuales.

Amelie Poulain